MB&F M.A.D GENÈVE PRÉSENTE LA LM FLYING T
La LM Flying T (Legacy Machine Flying T) gagne le Grand Prix pour la meilleure complication montre femme de l’année. Trois prix en vingt-quatre heures : au Mexique, en Pologne, à Londres et surtout le prix le plus convoité du monde horloger : celui du Grand Prix d’Horlogerie de Genève (GPHG) qui a couronné cette toute première montre sortie des Ateliers MB&F, entièrement dédiée aux femmes. MB&F, marque créée par Maximilian Büsser, est un laboratoire d’art et de micromécanique voué à la conception et à la fabrication en petites séries de montres radicales, fruits d’une collaboration entre brillants professionnels de l’horlogerie. En 2007 déjà, MB&F dévoile les Horological Machines qui, avec leur boîtier sculptural en trois dimensions et leur mouvement finement décoré, explorent l’espace, la route et l’eau. En 2011, l’atelier a lancé la Collection des Legacy Machines, ces pièces rondes plus classiques réinterprétant des complications de grands horlogers sous la forme d’objets d’art contemporain. À ce jour, MB&F alterne entre Horological Machines anticonformistes et Legacy Machines inspirées par l’histoire. Ils développent constamment des collaborations avec des artistes, des horlogers, des designers et des fabricants reconnus. Afin de donner à ces machines une place appropriée MB&F a eu l’idée de les présenter dans une galerie d’art aux côtés de diverses formes d’art mécanique créées par d’autres artistes plutôt que dans une boutique traditionnelle. C’est un merveilleux travail d’équipe qui revisite les codes de l’horlogerie.
Nobel de littérature 2018-2019
Victoire ! s’est exclamée l’éditrice, Vera Michalski-Hoffmann, présidente du groupe Libella dont dépend la Maison d’Éditions Noir sur Blanc qui édite la Polonaise Olga Tokarczuk, Prix Nobel de littérature 2018, récompensée pour « une imagination narrative qui, avec passion encyclopédique, symbolise le dépassement des frontières comme forme de vie », a déclaré le secrétaire de l’Académie suédoise. Elle est la quinzième femme à recevoir le Graal des écrivains depuis 1901. C’est la plus douée des romancières de sa génération en Pologne. Le lecteur est transporté dans une quête de la vérité à travers des univers polychromes mêlant avec finesse le réel et la métaphysique. Engagée politiquement, écologique, végétarienne, l’écrivaine de cinquante-sept ans n’hésite pas à critiquer la politique de l’actuel gouvernement conservateur de son pays. Son œuvre, regroupant des contes philosophiques, des romans policiers et historiques, est traduite dans plus de vingt-cinq langues.
QUAND LA SNEAKER DEVIENT DE L’ART: AU MUDAC LAUSANNE
En 1984, Nike réussit à signer une collaboration avec le joueur mythique Michael Jordan. Ce partenariat qui perdure de nos jours, marquera le début d’un engouement sans limites pour bon nombre de sneakerheads. Longtemps ramenée au rang de simple accessoire de sport et associée à la culture urbaine et hip-hop des ghettos américains, la sneaker occupe une part de plus en plus importante dans l’industrie de la mode actuelle. D’ailleurs, nombreuses sont les enseignes de prêt-àporter de luxe qui sortent leurs propres modèles ou s’associent à des personnes ou des marques issues de la street culture. On est bien loin du temps où seuls des sportifs d’élite avaient la chance d’avoir leur patronyme associé à de grandes marques de baskets. Aujourd’hui les nouveaux ambassadeurs de ces enseignes comptent entre autres sur des stars de la musique, en particulier la culture hip-hop, afin d’attirer un public toujours plus large. Que ce soit Rihanna chez Puma, Pharrell Williams et Kanye West chez Adidas, dont les fameuses Yeezy se revendent à prix d’or, Travis Scott ou DJ Khaled chez Nike dont les paires atteignent des sommes astronomiques sur les sites de revente. Les grandes marques de luxe, qui ont bien compris la tendance, accordent de plus en plus d’importance au streetwear et nombreuses sont celles à proposer des sneakers dans leur catalogue. À l’instar de Louis Vuitton qui s’est associé avec la fameuse marque new-yorkaise de skate Supreme et qui n’a pas hésité à nommer Virgil Abloh, designer pour Kanye West et créateur de la marque Off-White, comme directeur artistique de sa collection homme. La sneaker est de plus en plus présente dans notre culture et ce parmi toutes les strates de notre société. De là à l’exposer dans un musée, il ne manquait qu’un pas … de baskets. Aujourd’hui c’est chose faite grâce à l’expositon SNEAKER COLLAB du MUDAC, Lausanne jusqu’au 26 janvier 2020.
GRANDS MAÎTRES DU JAPON À L’HÔTEL DE CAUMONT
L’Hôtel de Caumont-Centre d’art présente les coutumes et la culture japonaise de l’époque Edo (1600-1867)à travers plus de cent cinquante estampes ukiyo-e et objets remarquables. Les ukiyo-e désignent un nouvel art de vivre et de plaisirs populaires de l’ère Edo. Ces estampes montrent toute la variété technique et iconographique de cet art ancestral qui a marqué le dessin animé japonais et la bande dessinée occidentale. Ces estampes signées Hokusai, Hiroshige, Hokkei, Gakutei, entre autres, sont réalisées sur du papier luxueux à l’aide de techniques sophistiquées. Les surimono associent des compositions figuratives et des textes poétiques sous forme de calligraphies. Ces œuvres illustrent les thèmes et images de la vie et de la culture de l’ancien Japon. L’exposition présente aussi des objets de l’artisanat choisis dans des collections privées et publiques : des écritoires, des casques, des armures, des ustensiles de la vie de tous les jours. Des films et des photographies immergent le spectateur dans la vie du Japon ancien. Une exposition rare et exceptionnelle, avec une scénographie surprenante, est ici proposée aux admirateurs de la culture nipponne ! Hokusai, Hiroshige, Utamaro… Les grands maîtres du Japon. La collection Georges Leskowicz, Hôtel de Caumont, Aix-enProvence jusqu’au 22 mars 2020.
AARAU, MUSÉE DES BEAUX-ARTS, MASQUE DANS L’ART D’AUJOURD’HUI
Le masque fait partie de ces objets cultes empreints d’histoire. À Aarau, le Musée des Beaux-Arts met en lumière le caractère actuel de ce thème. Les masques permettent de nous déguiser, ils font penser au Carnaval, ils peuvent être mortuaires ou utilisés comme parures dans les rites tribaux africains. Le cinéma, le théâtre, la mode s’en emparent aussi… Ils s’associent alors au jeu de rôle, au changement d’identité, à la dissimulation, à la protection… Les affiliations avec le concept de masque sont nombreuses et restent des objets cultes de l’être humain : histoire riche et controversée… Dans l’art moderne, le masque a une longue tradition avec son intérêt porté pour les masques africains et océaniques. Mais dans l’art contemporain comment ce sujet est-il traité ? C’est justement la question qu’explore cette exposition ! Des artistes venus de Suisse et de l’étranger étudient dans ce parcours les masques, sources de significations intrinsèques, sociales, culturelles, religieuses et politiques. Au Musée des Beaux-Arts d’Argovie jusqu’au 5 janvier 2020.
WALALA TJAPALTJARRI À LA FONDATION OPALE À LENS
Quand Walala Tjapaltjarri, né certainement à la fin des années soixante, attendu à la Fondation Opale courant janvier pour une rencontre avec le public et la tenue d’un atelier éphémère où il réalisera des œuvres in situ, peint le pays ancestral du peuple Pintupi, auquel il appartient, il met en évidence la connexion spirituelle qui l’y relie et dessine un portrait de lui-même. Chez les Aborigènes le territoire est souvent partie intégrante de l’être. Cet artiste est l’un des derniers Aborigènes ayant vécu une vie traditionnelle. Il n’a rejoint, avec huit membres de sa famille, le monde moderne qu’en 1984, en sortant du bush, après avoir marché hors du désert de Gibson où il vivait de manière isolée dans un contexte austère, selon un mode de vie plusieurs fois millénaire de ses ancêtres. Ses premières peintures reproduisaient le cycle Tingari, chants des pistes sacrés qui se rapportent aux ancêtres du Temps de Rêve dont le paysage était façonné et aux lois relatives à l’initiation et aux motifs peints sur le corps lors des cérémonies. Walala Tjapaltjarri développe dès la fin des années quatrevingt-dix un vocabulaire artistique personnel fait d’abstraction rythmique et graphique des motifs Pintupi. Toutes les toiles rassemblées lors de cette première exposition en Europe de cet artiste sont caractéristiques de son œuvre. Les structures rectangles ou lignes courbes sur fond monochrome décrivent le physique et le spirituel de son territoire : collines de sable, montagnes sacrées, points d’eau, reflets de sa propre existence. Walala Tjapaltjarri, Fondation Opale, Lens, Suisse du 11 décembre 2019 au 23 mars 2020.
MARTIN BARRÉ AU MAMCO
Après des études d’architecture et de peinture à l’ École des Beaux- Arts de Nantes, Martin Barré s’installe à Paris dans les années cinquante. De nombreuses expositions personnelles et collectives marqueront ses débuts sur la scène artistique. Né en 1924 à Nantes, il développe une œuvre abstraite particulière à laquelle il se consacrera avec inventivité jusqu’à sa mort en 1993. Tout est cohérent dans son travail qui peut se définir en cinq périodes. De 1954 à 1962, il met en lumière ses leçons artistiques et l’abstraction de l’ Après-guerre. Entre 1963 et 1967, il élabore un album pionnier de l’histoire de la peinture contemporaine en utilisant la bombe aérosol pour mettre en scène le geste et le temps sur la toile. De 1969 à 1971, c’est son épisode conceptuel qui lui permet de poursuivre son examen de médium pictural, en utilisant notamment la photographie. En 1972, il retourne à la peinture et vingt années de création s’en suivent. Jusqu’en 1977, il utilise le processus de structuration du tableau par quadrillage d’une grille rendue visible par des inscriptions et recouvrements successifs. Les dernières années de sa vie seront consacrées à la réflexion sur la couleur. Travaillant par séries, il prend en charge l’ensemble des paramètres picturaux pour libérer le potentiel dynamique, spatial et mental de la peinture. C’est une première exposition d’envergure en Suisse qui retrace son entreprise picturale, celle qui l’a conduit à expérimenter les possibilités de la forme du tableau envisageant la peinture comme un terrain de jeux visuel. Au MAMCO, Genève jusqu’au 2 février 2020.
BÉATRICE HELG À LA GALERIE SONIA ZANNETTACCI, GENÈVE
Béatrice Helg, née en 1956 à Genève, est une photographe conceptuelle et plasticienne. Après des études de violoncelle au Conservatoire de musique de Genève, elle étudie la photographie aux États-Unis. Ses premières expositions ont lieu dès 1979 dans le Wisconsin. À la même époque , elle participe à « la Fotografia » à Venise . Elle a vécu et travaillé de nombreuses années à New York. Une soixantaine d’expositions personnelles lui sont consacrées un peu partout dans le monde et ses œuvres figurent dans de nombreuses collections. « Je crois à la vibration de l’image, à l’interaction des éléments et des formes qui habitent un espace construit animé par la luminosité du silence, par la vie », dit-elle. Ses photographies donnent à voir des compositions abstraites qui figurent des formes, des surfaces et des volumes indéfinissables. C’est l’essentiel de sa quête vers l’absolu. Aériens, suspendus, ces objets qui évoquent l’énergie, habitent d’une manière étrange l’espace. Cette esthétique de la forme répond à une mise en scène sophistiquée. Dans son travail, la photographe n’est pas seulement le médium qui enregistre des faits mais une voie choisie et pensée pour fabriquer des images en interpellant l’inconscient et l’imaginaire. Sensible à la mise en scène de théâtre et d’opéra, l’artiste crée des espaces monumentaux faisant interagir la sculpture, la peinture et la lumière. Tout est d’une beauté étrange, poétique et spirituelle. À la galerie Sonia Zannettacci, Genève jusqu’au 15 février 2020.
CENTRE D’ART CONTEMPORAIN – YVERDON-LES-BAINS
Sans majuscule, « libres » est une exposition en quatre volets déployée par le CACY (Centre d’art contemporain d’Yverdon) pour croiser deux domaines qu’apparemment tout sépare : l’art et la prison. Partant d’une proposition collective au CACY, où Sylvie Fleury fait tomber du Château d’Yverdon une échelle de draps, où Ali Kazma filme une prison sous la neige, des expositions personnelles se racontent sur les murs du Théâtre L’Echandole (les photographies de Sarah Carp abordent le sentiment d’isolement vécu lors de la maternité), au Musée du Fer à Vallorbe (Katanani travaille le fil de barbelé pour lui conférer une nouvelle poésie) et à la Tournelle à Orbe, centre culturel et ancienne prison (dessins inédits de Jhafis Quintero). Autant de rencontres qui font de l’art une expression de liberté bien au-delà de la clandestinité, de l’enfermement, psychique ou physique. Jusqu’au 9 février 2020.
MUSEUM TINGUELY LEN LYE – MOTION COMPOSER
Né en 1901, à Christchurch, en Nouvelle-Zélande dans une famille très modeste, Len Lye devient une figure majeure du cinéma expérimental des années trente à cinquante. Actif en Australie, puis à Londres dès 1926 où il crée sa première œuvre filmique qui rencontrera un immense succès auprès des milieux artistiques influencés par le surréalisme. Dès 1935, il réalise des films publicitaires : invention du clip musical… New York dès 1944 où il poursuit sa carrière de cinéaste expérimental. Il réalise des photogrammes, portraits dans lesquels il applique à la photographie le concept des films sans caméra. Dès 1950, il se consacre à la sculpture cinétique et fabrique des objets actionnés par des moteurs électriques exécutant des séquences de mouvements programmés. Dès 1961, ces machines seront présentées au Museum of Modern Art de New York. Ces sculptures-machines ont ouvert la voie à quantité de choses qui nous sont aujourd’hui familières dans l’art cinétique. Il élabore une œuvre fascinante qui englobe, en plus du cinéma, toutes sortes de disciplines artistiques. Cette exposition présente l’étendue de son œuvre en portant une attention particulière aux relations entre les différents médiums. Le public peut s’immerger dans l’univers de Lye à travers un parcours de plus de cent œuvres agrémenté de films, dessins et sculptures. C’est également une interrogation sur l’influence de l’artiste sur les avant-gardes du XXe siècle. Lye a commencé à dessiner le mouvement sous forme de petites notes, de dessins d’objets provenant de diverses cultures de populations indigènes. À travers son regard, il crée une œuvre sans établir un rapport entre les objets, sans hiérarchie ni classement. Len Lye meurt en 1980. De son vivant, il avait constitué une fondation pour l’ensemble de son œuvre conservée aujourd’hui en Nouvelle-Zélande. Museum Tinguely, Bâle jusqu’au 26 janvier 2020.
CENTRE D’ART CONTEMPORAIN DE GENÈVE LES ŒUVRES INÉDITES D’HANNAH WEINBERGER
Artiste suisse née en 1988, elle vit et travaille à Bâle, lauréate du « Swiss Emerging Artist Prize 2018 », Société Générale Private Banking Suisse. Elle fut également récompensée en 2019 par un Swiss Art Award. Son œuvre s’appuie sur le potentiel du son et les caractéristiques des espaces investis pour favoriser des rassemblements collectifs et donner au spectateur un rôle et le placer au cœur de ses créations. Les bruits de fond, les bourdonnements de l’atmosphère, de la vie sociale, des foules en mouvement constituent les prémices de ses pièces. Ses compositions sonores sont une chorégraphie de la cacophonie sociale, élaborées en bandes sonores minimales sans crescendos dramatiques, ni tempos de référence ou prouesses algorithmiques. Ce sont les visiteurs , par leur présence, qui contribuent à activer ses œuvres. Derrière le minimalisme des moyens utilisés se cache une étude attentive des lieux qui transforme l’exposition en plateforme expérimentale : une expérience sur mesure pour le public au sein d’une œuvre en perpétuelle mutation. L’artiste a engagé des recherches techniques pour développer un mécanisme à peine perceptible mais très complexe. Le titre de l’exposition témoigne de son désir de placer le spectateur dans une forme de conscience du moment et de l’espace présents, c est un flux sonore forgé par la dérive du public dont les déplacements seront les moteurs du projet.
ÉTIENNE BARILIER, LAURÉAT 2019 DU PRIX DES ÉCRIVAINS VAUDOIS
Cette distinction attribuée tous les deux ans à un Vaudois auteur d’une œuvre majeure lui a été remise en novembre à Lausanne. Étienne Barilier, né en 1947, est un écrivain, philosophe et traducteur. Il a signé une cinquantaine de romans et d’essais, a traduit Friedrich Dürrenmatt, Ludwig Hohl et Adolf Muschg en français. Après des études classiques, il consacre sa thèse de doctorat à Albert Camus. Tout en tenant des rubriques dans le Journal de Genève et l’Hebdo, il se voue à l’écriture. La culture et les arts sont au centre de son travail de création et de réflexion. Il vit à Pully et collabore régulièrement à la revue Artpassions. Il a également enseigné à l’Université de Lausanne, section de français de la faculté des lettres. Ce sont ses qualités littéraires et la richesse des thématiques abordées qui ont séduit le jury. Son ouvrage « Dans Khartoum assiégée », une de ses dernières parutions, il s’interroge sur le fanatisme religieux et la violence. C’est sans doute le chefd’œuvre de l’écrivain brassant des questions cruciales liées à l’affrontement des empires, des cultures, des croyances. Ce roman est porté par une écriture vivante d’une profonde poésie. Étienne Barilier voit dans ce Prix un encouragement à continuer une œuvre où il exprime toute la complexité et la tragédie du monde. L’auteur a déjà été récompensé par plusieurs distinctions littéraires dont le Prix d’honneur de la ville de Paris en 1978, pour « Le Chien Tristan » et le Grand Prix pour la Fondation vaudoise pour la culture en 1987 et le Prix européen de l’essai Charles Veillon pour « Contre le nouvel obscurantisme ». « Un Véronèse » s’est vu aussi récompensé par le Prix Bibliomedia en 2011.
